Come suona bene Morucchio

Come suona bene Morucchio

BACK IN BLACK THE BOOK

http://issuu.com/andreamorucchio/docs/backinblack

Autore: Andrea Morucchio

A cura di: Silvio Fuso

Luogo: Sala 10 | Ca’ Pesaro, Galleria Internazionale d’Arte Moderna, Venezia

Periodo: 2 Settembre - 23 Ottobre 2011

Inaugurazione: Venerdì 2 Settembre h. 12.00

Organizzazione: MUVE Fondazione Musei Civici Venezia

Patrocinio: Comune di Venezia

In collaborazione con: Bugno Art Gallery

Con il contributo di: Studio Legale Marchionni & Associati

Il progetto espositivo Back in Black è costituito da una selezione di opere plastiche, una stampa e un video il cui legame formale più evidente è il colore nero. Si tratta di opere particolarmente rappresentative del percorso artistico di Andrea Morucchio sviluppatosi in un ampio orizzonte di ricerca: fotografia, scultura, installazione, video e performance sono i mezzi utilizzati da più di un decennio in una continua sperimentazione di dimensioni espressive, esperenziali e creazioni di senso. Back in Black presenta una serie di opere in cui l’interesse sensoriale per la forma non è mai disgiunto dal livello simbolico o metaforico. Forme e significati si richiamano dialogano e si sviluppano tra scultura, video performance e fotografia in un’allestimento suggestivo che allude alllo Zeitgeist, lo spirito del tempo che stiamo vivendo. Uno spirito buio tra guerra, crisi economica, disastri ecologici spaventosi, il populismo e le “videocrazie”. Un “ritorno al nero”, metafora cromatica della nostra contemporaneità che stimola riflessioni necessarie per scoprire e forse perfino modificare le caratteristiche del mondo in cui viviamo.

Catalogo con un testo sulla mostra di 

Stefania Portinari “L’Opera al Nero”

e testi sulle singole opere di 

Giovanni Bianchi, “Identità Celata”  

Daniele Capra, “B[æ]d Time”  

Chiara Casarin, “Subito prima” 

Gaia Conti, “Enlightenments - Illuminazioni - dal nulla il prendere forma di un’intuizione” 

Domitilla Musella, “Inequilibrio” 

Andrea Pagnes, “Dov’è la “prova” in questa parola “rivoluzione”?” 

Silvio Saura, “Fuoco incrociato” 

Alberto Zanchetta, “Coincidentia Oppositorum”

Progetto grafico di 

Matteo Rosso

Opere in mostra: Rivoluzioni, video - Enlightenment, scultura - Blade, scultura - Cross Shoots, scultura a muro - B[æ]d Time, scultura - Accumulo, scultura - Celata, scultura - Damosseno, dittico stampa b/n

"L'Oeuvre au noir"  catalogue text by Stefania Portinari

“There always comes a moment when one has no option but to take a risk,” wrote José Saramago in Blindness: Andrea Morucchio is – to put it like AC/DC – “Back in Black”. Back in his city with a solo show at Ca’ Pesaro, for which he has assembled an anthological overview of sculptural works accompanied by a video representing a room of torture. These fetish-presences – ascetic and essential – move toward a ground zero of vision and sum up the research driving the artist’s recent forms in monochrome black. He’s back. After photography, after journeys to places where black is the brilliant background – deep and unknown – present in the distinct essence of the Cuban shots or those of mysterious Nepal. After the contamination of history with the urgency of contemporary politics, Morucchio returns to his practice of sculpture and installation, that is, between performance and presence, developed over the past ten years. An opaque and seductive black; polished; the almost medieval spirit of many of the works borders on a menacingly defiant appearance and a fragility declared through the glaringly luminescent specificity of the medium – glass.

The perfect definition of these extreme forms and the precision in the manipulation and placement of the materials give origin to an ascetic and subversive dialogue, to a dark monologue in which ascents and sacrifices are counterpart to a spirituality evoking cosmic and combative energy and leading back to memories of art and humanity, akin to a Ciclo della protesta.* The composite whole of this recent development, entirely toned black, makes itself both chivalrous quest and heretic self-portrait, like the destiny of the protagonist of Marguerite Yourcenar’s The Abyss.** The alchemic stabilizing and the contrast of materials – glass and iron, light and photography – create visual clashes aimed at provoking an aware mental process, like a vibrating shock of immaterial dynamism transmitted by the works arranged in the room. 

“Sculpture is volume, base, height, depth” declared the Manifesto tecnico dello spazialismo (1951), of which Berto Morucchio was one of the signatories: a space-time detachment, a sense of deceptive and artificial perception of reality and a strong concentration of magnetic forces dominate the variety of forms of Back in Black, and yet, the sculptural nature of the works is not denied. Rather, through the creation of a dialogue they become part of actions, like frames of a film, and are inflected like pieces of a cadavre esquis stemming from a recent course of philosophical inspiration.

Andrea Morucchio arranges his installations for Ca’ Pesaro around a focal point aimed to create a gash in perception, jeopardizing the unstable equilibrium of visual sensations, highlighting the complexity of vision, and offering the portrait of a human condition. Analogous to the artist’s previous exhibitions in museum contexts, he challenges the site of preservation while exalting the role of eternal mementum. In works such as Le Nostre Idee Vinceranno (2002), Laudes Regiae (2007), and B[æ]d Time – a bed of un-soft pain upon which one cannot rest – he deals with reminiscence overshadowed by a sense of mystery, anxiety and violence. Cross Shoots is a schismatic Latin cross which, contrary to the claims of religious monocracy, can break down into unity and disunity, and is inclined, ready for the rupture and for the protest. The double torso of the Canovian wrestler Damòsseno, whose face we do not see, is stricken with points de repère. Used to map the transfer onto marble, they appear as the wounds of Saint Sebastian, and this twofold mirror image makes him a Dioskouri doppelganger. Identity continues to be denied in Celate: anonymous decapitated presences, cryptic phantasmic warriors drawn from a noble matrix: the 16^th century sparrow’s-beak armet – also known as Attila’s helmet – conserved in the Doge’s palace in Venice (already staged in red at the Convento dei SS. Cosma e Damiano). The bundle of lance or javelin-like sandblasted poles bound together by strips of inner tubes, Accumulo, presents a contrast between transformed materials, forged by heat, coming close to an object of design. Meanwhile, in Blade, glass spikes are supported, yet also contained: Holy Grail and pointed Maiastre. Tools with lethal outlines exhibited in the delicate and unique combination of nuances, they are akin to the wedges of molded glass, Enlightenments, which break through iron, and to the site-specific installation structures of Percer-Voir, insofar as illumination. Morucchio demonstrates strength and skill in the video Rivoluzioni, where he swivels a polished rod of glass like a magic tournament sword, alluding to the cosmogonic spinning of the planets. The rod cyclically shatters, giving way to an eternal return, to a renewal that comes through the liberation of energy. This is accompanied by the noise which, like in Bruce Nauman’s Thinking of Me, produces a short circuit between space, reality and the repeating, monotone, amplified voices coming from the unconscious and crossing unknown spaces. 

If in his photographs it was light and shadow which built up the images, there where the contrasts of color become leaps into momentary consciousness – forever frozen – and where night is palpable in the deep, dark, often absolute scenic backgrounds, now, in Back in Black, the subjects are sculptures searching for the monochrome in order to induce the concentration of the gaze. This also occurs in Eidetic Bush (2003), produced during a residency in Tasmania, where burnt trees are revived by the grip of a plaster spiral, which is also the moved embrace afflicted by the loss of the woods and heinous colonial politics. 

The opalescence of black, leit motiv and secret background, leads to a use of glass as a sculptural element, retaliation and call to the bridge between the major and the minor arts, within the crease of a Venetian tradition which has Carlo Scarpa’s dark glass creations climax. These prototypes, so specific that they were technically impossible to reproduce, occupied an entire room of the 1940 Biennale. Now they are the lifeblood of a generation of young Venetian artists, creators of fascinating expressions which suggest the becoming of natural forms. Morucchio’s vitreous essences are aggressive spiked tools, yet they are overwhelmed by their fragile nature and supported by structures which imprison and contain them, restraining them almost as if to offer a reason for escape. They express the dynamism of the encounter-clash between dualistic forces of materials, or rather, as Matthew Barney said of his own practice, indicating that he does nothing more than reinterpret “the vital process which, in every one of us, necessarily leads to a transformation”, explaining “the way in which a form fights to find its own definition”.

Morucchio’s Ca’ Pesaro room wishes to become an environment, a space of perception where emotion survives whilst the works seem to deny the tactility of the different elements. They become untouchable in a delicate equilibrium between their multiple natures – a contradictory linguistic weapon. Black, which throughout history has interpreted so many shades of existence, from the act of creation to mourning to madness, in its dignity and depth – so difficult to obtain as in the velvets of Renaissance noblemen – is the absence of color. Pure signifying form, infernal color, but also magical, generating protean chaos from which everything originates, like the transformation of state in which liberation of the spirit occurs and which has always been loved by artists for its irreversible determination, from the prehistoric cave drawings to the razings of Malevic. In one of his Sentences on Conceptual Art, Sol Lewitt stated that conceptual artists are mystics rather than rationalists, reaching conclusions that logic cannot grasp: irrational judgments lead to new experiences. Perhaps this is also true for Andrea Morucchio.

* In reference to Emilio Vedova’s Ciclo della protesta, 1954.

** The original French title of Marguerite Yourcenar’s novel is L’Oeuvre au noir, 1968.

"L'Opera al nero" testo in catalogo di Stefania Portinari

“Arriva sempre un momento in cui non c’è altro da fare che rischiare” scrive José Saramago in Cecità: la stanza antologica che Andrea Morucchio ha riunito per sé a Ca’ Pesaro, per la personale in cui sì, è di ritorno, di ritorno in nero – come suonavano gli AC/DC in Back in black – nella sua città, è un compendio di opere plastiche accompagnate da un video che visualizza una stanza delle crudeltà. Sono presenze-feticcio, ascetiche ed essenziali, che si muovono verso un grado zero della visione e assommano in monocromo nero tutta la ricerca che ha guidato le forme recenti dell’artista. Di ritorno dopo la fotografia, dopo i viaggi verso luoghi in cui il nero era sfondo cupo e brillante, profondo e sconosciuto, come nella netta essenza degli scatti cubani o del Nepal misterioso, dopo la contaminazione delle idee con la storia del passato e le urgenze della politica, Morucchio è di ritorno alla scultura, all’installazione, così come l’ha praticata, tra performance e presenza, negli ultimi dieci anni. E’ invece un nero opaco e seduttivo, ma levigato, quello di cui è fatta l’essenza, quasi medievale, di molte delle opere in esposizione, che stanno sul limite, sulla soglia di un’apparenza di sfidante pericolosità e rivelano piuttosto la loro fragile essenza nel dichiararsi in vetro, accecando la specificità luminescente del medium. La definizione accurata di queste forme estreme e la precisione nella manipolazione e nell’accostamento dei materiali dà origine a un dialogo ascetico e sovversivo, a un monologo dark in cui l’ascesi e la rinuncia fanno da contraltare a una spiritualità che evoca energie cosmiche e battagliere, che riconduce memorie della storia dell’arte e dell’umanità, come in un Ciclo della protesta. Il composito insieme di questo percorso recente, tutto virato al nero, si fa quête cavalleresca e al tempo stesso eretico autoritratto, come nel destino del personaggio dell’Opera al nero di Marguerite Yourcenaire. Lo stabilizzarsi alchemico e il confronto delle materie, vetro e ferro, luce e fotografia, crea uno scontro visivo al fine di suscitare nel visitatore un processo mentale di alta coscienza, come scosso dalle vibrazioni del dinamismo immateriale propagato dalle opere in conflitto nella sala.

“La scultura è volume, base, altezza, profondità”, recitava uno degli assiomi del Manifesto tecnico dello spazialismo firmato anche da Berto Morucchio nel 1951: il distacco spazio-temporale, il senso di percezione ingannevole e artificioso della realtà e la forte accentrazione di forze magnetiche che dominano la varietà di espressione di Back in black non negano comunque l’essenza delle opere come scultura, le rendono anzi parti di azioni come fotogrammi di film, nel loro creare un dialogo, declinate come pezzi di cadavre esquis provenienti da un recente percorso di ispirazione filosofica. Le installazioni di Andrea Morucchio per Ca’ Pesaro si dispongono secondo un punto focale che intende creare una ferita nella percezione e mettere in pericolo l’equilibrio instabile delle sensazioni visive, accentuando la difficoltà della visione, offrendo il ritratto di una condizione umana. Come in occasione di altre sue esposizioni in ambienti museali, quasi a sfidare il luogo di conservazione e al tempo stesso esaltarne il ruolo di mementum perenne, si staglia con forza la sua intenzione di rimarcare reminiscenze adombrate da senso di mistero, inquietudine, violenza, come in Le Nostre Idee Vinceranno (2002) e Laudes Regiae (2007), così B[æ]d Time è un letto di insoffici dolori su cui non si può dormire; Cross Shoots una croce latina scismatica che contrariamente alle pretese di monocrazia religiosa può scomporsi in unità e disunità ed è inclinata, pronta alla rottura e alla protesta; il duplice torso del lottatore canoviano Damòsseno, di cui non si vede il volto, è colpito da punti di répere per mapparne il trasferimento su marmo come fossero ferite di san Sebastiano e la sua duplice specchiante immagine lo rende un Dioscuro doppelganger. Anche delle Celate è negata l’identità, anonime presenze decapitate, fantasime sibilline di guerrieri provenienti anch’esse da una matrice aulica, l’elmo a becco di passero del XVI secolo detto di Attila conservato in palazzo ducale a Venezia (già allestite in rosso al Convento dei SS. Cosma e Damiano). Se i pali in vetro molato come lance o giavellotti di Accumulo sono trattenuti dal tubolare di gomma in una sfida tra materie trasformate, forgiate dal calore, simili ad un oggetto di design, le Blade sono lame sorrette ma anche trattenute, sacro graal e Maiastre acuminate, strumento di staglievolezza letale ma anche messo in mostra, esposte nella loro delicata essenza di singola combinazione di sfumature e compagne dei cunei Enlightments di vetro stampato che trapassano il ferro, simili alle strutture installative site specific Percer-Voir, in qualità di illuminazioni. La prova di forza e abilità del video Rivoluzioni in cui Andrea Morucchio rotea una barra di vetro lucido come una spada magica da torneo, come in un cosmogonico moto di rivoluzione dei pianeti, si infrange ciclicamente per la necessità di un eterno ritorno, di un rinnovamento che si compie attraverso la liberazione di energia, accompagnato dal rumore che, come in Thinking of me di Bruce Nauman, produce un cortocircuito tra lo spazio e la realtà e nel suono che si ripete monotono amplia voci che vengono dall’inconscio e attraversano spazi incogniti. Se già nelle sue foto luci e ombre erano attivatori di costruzione dell’immagine, laddove gli stacchi di colore diventano tuffi nella coscienza del momento fermato per sempre e i fondi recessi scenografici bui, profondi, spesso assoluti, dove è palpabile la notte, ora i soggetti divenuti sculture per Back in black cercano il monocromo per favorire la concentrazione dello sguardo, come in Eidetic Bush (2003), realizzato durante la residenza in Tasmania (Australia), in cui gli alberi incendiati vengono vivificati solo dalla morsa di una spira in gesso che è anche abbraccio commosso, addolorato per la perdita del bosco e la nefanda politica coloniale. L’opalescenza del nero, leit motiv e sottofondo segreto, conduce ad un uso del vetro come elemento scultoreo, contrappasso e richiamo al cimento tra arti maggiori e decorative, nel solco di una tradizione veneziana che ha tra i suoi acme alcune creazioni tenebrose in vetro di Carlo Scarpa, prototipi talmente particolari che non si riuscirà più a riprodurre per le difficoltà tecniche e che occupano un’intera sala della biennale del 1940, ma che ha anche nuova linfa in una generazione di giovani artisti veneziani creatori di interessanti espressioni che suggeriscono il divenire di forme naturali. Le essenze vetrose di Morucchio sono aggressivi strumenti acuminati, ma sono al contempo sopraffatte dalla loro fragile natura e sostenute da strutture-supporto che le imprigionano e le contengono come restrizioni, in un modo così particolare da offrire loro anche un motivo di fuga, esprimendo un dinamismo di scontro-confronto tra forze dualistiche delle materie, come dice Matthew Barney del proprio operare, quando indica come non abbia fatto altro che reinterpretare a suo modo “il processo vitale che, in ognuno di noi, porta necessariamente una trasformazione”, raccontando “il modo in cui una forma combatte per trovare una propria definizione".

La stanza di Ca’ Pesaro di Morucchio vuol divenire ambiente, spazio di percezione in cui sopravvive l’emozione mentre le opere paiono negare la tattilità dei differenti componenti e divengono intoccabili, in bilico tra le loro molte essenze, come contraddittoria arma linguistica. Il nero, che nella storia ha interpretato così tante sfumature dell’essere, dall’atto della creazione al lutto alla follia, nel suo essere un colore nobile e profondo, così difficile da ottenere come nei velluti dei nobiluomini rinascimentali, è assenza di colore, pura forma significante, colore infero ma anche magico, generativo caos proteiforme da cui tutto si genera, come un passaggio di stato in cui avviene una liberazione dello spirito ed è sempre stato amato dagli artisti per la sua irreversibile determinatezza, dal disegnatore di animali delle grotte preistoriche all’azzeramento di Malevic. Forse vale anche per Andrea Morucchio quel che scriveva Sol Lewitt in una delle sue Sentences on Conceptual Art, quando affermava che gli artisti concettuali sono mistici piuttosto che razionalisti e giungono a conclusioni che la logica non può afferrare: sono i giudizi irrazionali che portano a nuove esperienze.

OPERE IN MOSTRA

"Dov’è la "prova" in questa parola "rivoluzione"?" testo in catalogo di Andrea Pagnes

Un getto di vetro scintilla,
S’Increspa come magma.
Giroscopi, lance acuminate
Pulsano fisiche,
Scuotono le ossa.
Tremolano come fiamme di onice,
Entrano dritte nel cervello.
Soffocata sotto una luce,

Tra spasmi silenziosi,
Oscilla, si avvita, trema, gira, rotea:

La mia vita reale si scioglie, e s’incaglia a terra.

Che significa uscire da me stesso?

Che cosa vuol dire comunicare con gli altri?

Trovare un senso, una dimensione, riconoscere, rivelare…

Che cosa significa tutto questo?

Comunicare è un atto che appartiene al corpo. Solo.
Non ha nulla a che vedere con l'informazione.
E’ oltre qualsiasi schema pre-ordinato.
Si tratta di ritmo, suono, estensione di respiro. E’ puro fatto emotivo.
A rimuovere l’emozione, si finisce col favorire l'inganno e dichiarare il falso.
Segni, parole dette o scritte, colori assorbiti e respinti dall'occhio,
Tutto riconduce al corpo.
Per il corpo non c'è altra soluzione:
Quando cede alla menzogna, confessa.
Sempre.

Rivoluzioni, 2011, video dvd

"Fuoco incrociato" testo in catalogo di Silvio Saura

Al di là delle intuitive associazioni mentali cui si arriva al soffermarsi di fronte a Cross Shoots, vi sono altre implicazioni, più emotive e storiche, relazionate al contesto in cui questo lavoro è stato forgiato. 

Tra le figure geometriche, la croce è il terzo simbolo fondamentale, attestato fin dall'antichità più remota, stabilisce relazioni con gli altri due simboli: l'intersezione delle rette coincide con il centro; si inscrive nel cerchio, lo divide in quattro segmenti; genera il quadrato e il triangolo, quando le sue estremità sono collegate tra loro da rette, forme rettangolari ed ellittiche oltre ad altre figure più complesse.

La scelta di questa forma come ideogramma - cioè che si riferisce a un concetto - e non come simbolo - che si riferisce al contenuto (“Il simbolo è più o meno il contenuto che esso esprime come simbolo” Hegel), rende possibile stabilire legami con una forma astratta e simbolica molto antica, un archetipo che prima del cristianesimo aveva già assunto un significato universale: rappresenta l’unione del cielo con la terra, della dimensione orizzontale con quella verticale, congiunge i quattro punti cardinali ed è usata per misurare e organizzare le piante degli edifici e delle città. 

Cross Shoots, in un’ottica differente, si dirige verso i punti cardinali dell’Io ed è base dei simboli d'orientamento: del soggetto in rapporto a se stesso e del soggetto in rapporto ai punti cardinali terreni e celesti, cercando un orientamento che sembra smarrito.

Morucchio si interroga su tali relazioni nel realizzare questo lavoro, per il quale sceglie una tecnica altrettanto antica e ancestrale: sciogliere sabbia e polveri ad altissime temperature per forgiare un vetro nero, denso e oscuro. L’ambivalenza della lettura di questo lavoro si sviluppa in senso trasversale: già non importa se ciò che quest’opera rappresenta stia cedendo, se si stia disfacendo sotto le pressioni dei simulacri, di quelle apparenze che non rinviano a nessuna realtà soggiacente, che non hanno relazione con qualsiasi realtà di sorta e, ciononostante, risultano vere. Sia nel caso in cui si stia ricomponendo, sia che stia sgretolandosi del tutto, non è più in grado di dare quell’unità rassicurante che, come simbolo fondamentale, deve infondere; non può più indicare la strada, il nord è falsato. Ci si domanda allora, se esista ancora un simbolo che unisce, protegge, rincuora, oppure se si stanno scomponendo e, crollando, schiacceranno tutto con il peso delle loro macerie.

Cross Shoots, 2011, vetro molato e satinato, 150x92x7 cm

"Identità Celata" testo in catalogo di Giovanni Bianchi

Due cavalieri neri, che nell’immaginario comune rimandano a forze oscure e misteriose, si fronteggiano spavaldamente. Il cavaliere nero, infatti, di carattere duro e fermo, rappresenta colui che incute terrore, una paura ancestrale legata al suo manifestarsi con il colore delle tenebre. I cavalieri medievali sono rappresentati simbolicamente solo dall’elmo a “becco di passero”, il classico elmetto all'italiana dalla costruzione estremamente complessa, che era molto aderente e proteggeva efficacemente la testa garantendo il massimo della mobilità. 

Essi hanno la visiera calata a celare la loro identità e forse, parafrasando Italo Calvino, la loro esistenza. Possono difatti ricordare il protagonista del romanzo “Il Cavaliere inesistente” che è un cavaliere modello, ma inesistente, che riesce ad essere presente in guerra contro gli infedeli, soltanto con la forza di volontà. Calvino sottolinea che la sua “voce giungeva metallica da dentro l’elmo chiuso, come se fosse, non una gola, ma l’elmo stesso a vibrare…” Così possiamo immaginarci anche la voce metallica e profonda dei cavalieri di Andrea Morucchio, traghettati dal lontano passato al nostro presente. 
Posti uno di fronte all’altro i due volti si scrutano attenti. Sono due elmi identici, che si specchiano, che si raddoppiano. Sono due forze perfettamente uguali pronte a confrontarsi. Lo scontro/incontro è dunque tra l’io e il suo doppio, e si propone come un problema di identità. Una forma di narcisismo che allude all'attrazione che una persona prova per la propria immagine e per se stessa. Un’attrazione che può sfociare in amore o in odio, e così anche tra i due cavalieri si instaura una relazione che può risolversi in  un dialogo complice o in una sfida all’ultimo sangue, per decretare la supremazia di uno sull’altro. Realizzati in vetro nero soffiato, stampato e satinato, i due elmi dalla forma semplice ed essenziale evocano dunque uno stato di tensione “sospesa” che coinvolge lo spettatore, rendendolo partecipe dell’incontro di due forze primordiali che si perpetua nel tempo.

Celata serie #02, 2009, vetro soffiato, stampato e satinato, 44x32x32 cm

"Coincidentia oppositorum" testo in catalogo di Alberto Zanchetta

Pare rivivere in quest’opera il combattimento che indusse Damosseno di Siracusa a uccidere Creugante di Durazzo. Una morte che Damosseno procurò deliberatamente, aprendo il pugno nell’ultimo, micidiale, colpo che gli valse la squalifica. Ma se allora era Creugante a scoprire il fianco, l’angolazione scelta da Morucchio (in cui viene estromessa la mano tesa che si sarebbe dovuta configgere nell’addome del giovane antagonista) sembra far assumere a Damosseno quella stessa, identica postura. 
ll pugilato, così com’era stato istituito ai giochi olimpici nel 688 a.C., non aveva limiti di tempo, i contendenti dovevano essere atterrati oppure costretti ad arrendersi; in modo analogo, la specularità di questo dittico intende riproporre il combattimento ad libitum, finanche ad infinitum, costringendo Damosseno ad assumere l’atteggiamento di attacco e al contempo di difesa, come fosse condannato a duellare con se stesso per l’eternità. 
La crudeltà dello spietato pugilatore si trasferisce però dalle Olimpiadi all’Olimpo per la scultura, vale a dire la gipsoteca canoviana di Possagno, dove il cimento del nudo corpo viene insidiato da un raptus d’ebbrezza pirica, empito a consumare la propria rivalsa nel periglioso raffronto tra passato e presente. 
“Ardore in pectore”: la fotografia di Morucchio è la riproduzione – e la duplicazione – di un negativo in cui l’eburneo torace dell’atleta viene convertito in una superficie caliginosa, tale da far risaltare le repère che crivellano il gesso (fessure nelle quali venivano infilati dei chiodini metallici che servivano agli sbozzatori per riprodurre la figura in marmo mantenendone le esatte proporzioni e i medesimi valori plastici). Sono punti nevralgici, di luce-spazio-tempo, sorta di nivei nei che trapassano l’immagine per restituirle quell’aur[e]a [dimensione] del terribile, ossia del sublime, che trovavamo nella fronte corrucciata e nella muscolatura contratta, esplicitamente rabbiosa, del Damosseno scolpito da Antonio Canova.

Damosseno, 2011, dittico stampa inkjet, 100x70 cm cad.

"Inequilibrio" testo in catalogo di Domitilla Musella

Accumulo appartiene ad una serie di sculture composte da fasciami di giavellotti o lance realizzate in vetro molato che si sorreggono sulle estremità grazie ad un tubolare di gomma che le avvolge e le tiene insieme nella parte centrale. Gli elementi vengono inclinati e ruotati, sostenendosi l’uno all’altro fino al raggiungimento della posizione che permette la stabilità della struttura. 
Si tratta di uno straordinario gioco di elementi inclinati e ruotati in grado di dare stabilità alla materia plasmata. Una scultura perfettamente equilibrata, nata dalla tendenza delle forze fisiche ad assumere configurazioni più armoniose possibili finché ciascuna non blocchi il movimento dell’altra. Se fisicamente un perfetto equilibrio di lance compone la scultura, concettualmente il titolo indica come un’armoniosa tendenza all’ordine sia sempre contraddetta dall’impossibilità di un campo di forze a rimanere in un equilibrio perpetuo. Un qualsiasi uso di energia, infatti, provoca un’inevitabile perdita di capacità di produrre lavoro: l’energia si disperde nell’ambiente circostante e il disordine aumenta. Un disordine microscopico che ci pone di fronte a un’apparente contraddizione: da un lato la natura – organica e inorganica – tende ad uno stato di ordine; dall’altro le strutture fisiche tendono ad uno stato di disordine a cui un sistema è gradualmente destinato. Man mano che avviene il passaggio da uno stato ordinato a uno disordinato l’entropia aumenta ed, inevitabilmente, nel sistema vengono a crearsi nuovi equilibri. 
Accumulo è il frutto di questa misura di casualità. Ci ricorda di come anche la nostra vita sia soggetta al “principio di entropia” che tende a distribuire sia l’energia necessaria al soddisfacimento delle nostre funzioni primarie e istintive, sia quella destinata ad attività culturali e spirituali. 
Ci invita ad utilizzarle entrambe per addentrarci nella confusione del decadimento del sistema al fine di prendere coscienza contro il disordine ideologico che lo sovrasta. Accumulo, con la sua estrema semplicità estetica evidenzia un presente dominato da uno sviluppo abnorme di messaggi. Indica la direzione per governare una realtà dominata da un caos che coinvolge anche i segni convenzionali del linguaggio verbale e numerico, ormai privi di senso a causa del prevalere di una molteplicità che riduce la comunicazione a un mero brusio. Si potrebbe, arditamente, suggerire che agisca in modo uguale e contrario all’ormai antico motto sessantottino che recitava: “Occorre rovesciare ciò che è per stabilire ciò che deve essere”.  

Accumulo, 2009, vetro molato, gomma, 105x40x35 cm

"Enlightenments - Illuminazioni - dal nulla il prendere forma di un’intuizione"  testo in catalogo di Gaia Conti

Coscienza. Distinguere le sagome, le profondità, perché è solo grazie ad un’illuminazione che l’opera si svela e si rivela. 

Total black. La luce si spegne. Subitaneamente. 

L’opera di Morucchio pone subito di fronte ad una prima contraddizione, un paradosso. 

Il titolo svia, conduce per strade che probabilmente nemmeno percorreremo. 

Buio. 

L’azzeramento delle sensazioni. Trascina nell’oscurità. Quasi ad annullare le percezioni. Niente sovrastrutture, un impianto uniforme costringe entro canoni di razionalità. Quasi a voler cancellare le analisi che ne scaturirebbero, i materiali sono puro contorno, si confonde il confine tra le due anime, un unicum, a negare il formale dualismo della scultura. Il vetro della cuspide è scuro e opaco fino a diventare altro, uno smistamento di significato. Un percorso estetico verso l’azzeramento dell’ossimoro, verso l’azzeramento dell’antitesi.

Buio. Nero. 

Immagini mentali che diventano nitidamente fosche. Atmosfere cupe, sensazioni. Indietro nel tempo a qualcosa di primitivo che subito balza alla mente. Una cuspide, una freccia, che penetra con forza il suo bersaglio con un movimento imperituro. Vigoroso e leggiadro al contempo. L’ordine è infranto: i colori si fanno cupi e le forme più spigolose. 

Nero. Tenebra. Oltre. 

Fino al nero del vuoto primordiale. L’assenza, il caos, il nulla. L’archetipo del Principio, della fase che precede la creazione.  

Inconscio. Buio. Conscio.

E poi di nuovo prepotentemente al presente. La minaccia delle forze che possono sommergere il conscio.  I conflitti. La guerra è lugubre, nera come la notte. Un’aguzza cuspide vetrosa. Un’incredibile capacità penetrante e di sfondamento. Una freccia nel tessuto sociale. Non trova ostacoli e può tutto.

Paradosso. Buio. Luce.

Inconscio primordiale. Istinti presenti, istinti primitivi. Nuova carica vitale, una nuova luce. Uno spiraglio. O un cerchio che si chiude su un processo di elaborazione che dal nero primordiale ed inconscio sprigiona la luce della coscienza. 

Enlightenments, dunque, illuminazioni - dal nulla il prendere forma di un’intuizione.


Enlightenment, 2009, ferro forgiato, vetro soffiato e molato, 65x40x13 cm